Paula Bonet: Menos egoísmo, más indiferencia | Opinión

“Muchos pintores trabajan con tanto cuidado y dedicación con la imprimación y la elaboración del cuadro para preservarlo para la eternidad que acaban perdiendo el fuego”, Edvard Munch escribió en sus cuadernos. Según el pintor noruego, una buena pintura nunca podía desaparecer, una buena pintura con 10 agujeros era mejor que 10 malas pinturas sin un agujero: un pensamiento brillante nunca podía morir.

pensé lo mismo su contemporánea Hilma af Klint, quien dedicó la mayor parte de su vida a trabajar en una extensa y compleja obra que tituló pinturas para el templo. Compuesta por más de mil obras sobre lienzo y papel, fue guardada cuidadosamente cuando falleció. Dejó instrucciones: las cajas que la contenían no podían abrirse hasta que hubieran pasado 20 años desde su muerte. Hilma af Klint era consciente del valor de su obra, crítica de un mundo construido sobre la dualidad (utilizó el azul para representar lo femenino y el amarillo para lo masculino, los espectadores se enfrentaban a grandes manchas de verde luminoso), seguramente era consciente que la historia estaba escrita en amarillo. Es esclarecedor leer las palabras de su contemporáneo vasili kandinski en 1911 definiendo su propia obra como revolucionaria por el abandono del naturalismo, pidiendo aplausos. Hilma af Klint pintó la primera pieza no figurativa en 1906. “Menos egoísmo, más indiferencia”, escribió. Llegó a la abstracción por la necesidad de enfrentarse a lo invisible, pues su interés radicaba no solo en las artes plásticas, sino también en los avances científicos de la época y en lo oculto. Pintó y escondió su obra, se borró a sí misma, cristalizando el caos y la evolución del ser humano en figuras geométricas.

Klint perteneció a la segunda generación de mujeres suecas que lograron ingresar a la academia, y sus primeras obras -retratos y paisajes de impecable ejecución- le permitieron vivir de su oficio durante su juventud. Aprendió a ignorar su miedo porque pensó que sin la voluntad de creer en uno mismo nada bueno podía suceder, y dejó atrás la vida familiar porque sintió que así su vida emergería revestida de perfección y belleza. en constante expansión. Para lograrlo, necesitaba encontrar la calma “tanto en el pensamiento como en el sentimiento”.

La pintura colocó a Hilma en un lugar alto en la relación que estableció consigo misma y con el mundo, entendió que la podía llevar más allá al permitirle representar el mundo desde adentro: pintó con su cuerpo grandes formatos que si uno es los que tienen la suerte de poder contemplarlo en vivo pueden derribarlo por su riqueza en formas, colores, emoción y poder. Las piezas te envuelven y escuchas el sonido del grafito que usó para encajar las formas, el sonido húmedo de los pinceles esparciendo el color sobre la superficie de la tela. Ves a Hilma de pie encima del cuadro, agachándose para resolver la imagen de un cisne marrón que se confunde con otros tres (blanco, rosa, ocre) sobre un fondo negro atravesado por una espiral multicolor. Derriba a los cisnes y nos presenta dibujos automáticos llenos de belleza: líneas, círculos concéntricos, espirales y óvalos con una gran carga simbólica que envuelve nuestra mirada.

Conseguimos su fuego en 1986, cuando se abrieron las cajas. En 2005 se pudo ver su primera exposición. “Yo no pinto para estos o aquellos. Lo siento. Soy un soberano proletario de tal calaña (…) que digo: ‘¡Esto lo voy a hacer! Y puedes decir lo que quieras. Para qué sirve, ni yo mismo lo sé. Pero lo hago. Porque sé que esto fue así y no de otro modo. Son palabras de Otto Dix, otro de sus contemporáneos, pero podrían ser parecidas a las suyas, una mujer que vivía de espaldas al éxito y que, a diferencia de su colega, sabía exactamente lo que hacía con su pintura.

Vasily Kandinsky, Piet Mondrian e Hilma af Klint murieron en 1944, pero solo los dos primeros tienen un lugar en la historia del arte. Se les presenta como auténticos revolucionarios.

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